Air(e) de retard

Alain Bernardini

Exposition d'Alain Bernardini, à la base d'Appui d'Entre-deux,

du 13 novembre au 18 décembre 2010

http://www.entre-deux.org/

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Don d'accès.

Prenez position, le retard des uns fait le retard des autres. Soyez pour une fois un retardateur.

Retardateur et non retardataire. Actif et non passif.

Pas de fioritures inutiles, cadrage simple, lumière en aucun cas idéaliste, le ciel y est même nuageux et grisâtre. 

C'est aux abords d'autoroute plus que communs et devant des devantures métallisées de hangars en activité qu'Alain Bernardini nous donne rendez-vous. Un rendez-vous plutôt atypique doit-on dire. 

Imaginez-vous ouvrier, cadre supérieur, attaché commercial, plombier, électricien ou que sais-je encore. Sortant de votre domicile, point A, vous arborez fièrement votre tenue de travail pour vous y rendre sans tarder, point B. Maintenant imaginez un lieu de transition, un lieu qui vous invitera à prendre du retard sur une aire prévue à cet effet, point C. Etrange dîtes-vous? Quoi de plus normal pensez-vous. Pourquoi voudriez-vous prendre du retard ? Eh bien le photographe Alain Bernardini a travaillé sur la question. Il invite des ouvriers et salariés d'entreprises diverses de la région à prendre ce délai  et à le déguster sur un canapé.

Regarder un film quelques minutes au bord d'une route, s'adosser à une voiture en contemplant le ciel, écouter de la musique ou bien encore ne rien faire, le tout agréé par un panneau de signalisation mobile "air(e) de retard". Un panneau pouvant se mouvoir, s'incruster et se placer où bon son commanditaire lui semblera. Un espace se crée alors, un espace qui tient entre ses mains un enjeu de société. Alors qu'aujourd'hui le monde du travail nous asphyxie de règles déshumanisantes et déshumanisées, l'artiste tend à bouleverser ces codes en invitant les premiers concernés à réaliser la révolution du retard. Un retard qui n'a aucune valeur au sens juridique du terme mais empreint de saveurs.

Le temps prend alors une autre dimension, il se détourne de sa fonction première.

On prend son temps, on s'arrête, on regarde, on observe, vous savez ces choses dont vous n'avez plus le temps de faire entre le matin et…le matin. Ici que nenni. On prend le temps de respirer et on jouit des choses simples que le monde du travail tend à nous obstruer de plus en plus.


Aurélien Guitard

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KISS THE PAST HELLO

Larry Clark

Au Musée d'Art Moderne , Paris

Du 8 Octobre 2010 au 11 Janvier 2011.

Plein tarif : 5 €

Tarif réduit : 3,50 €

Demi tarif : 2,50 €

Exposition interdite aux moins de 18 ans. 

Le titre de l'exposition du photographe et réalisateur Larry Clark au Musée d'Art Moderne de Paris nous en dit tout. A 67 ans, l'artiste a voulu réorganiser son passé, pour faire table rase, à travers son regard neuf, distancié, sur toute une vie.

Et c'est d'abord un hommage à sa mère qui l'a ouvert au monde de la photographie. Dès nos premiers pas, timides s'il en est, on s'amuse de la facétie et de la tendresse avec laquelle cette femme a mis en scène les enfants en bas âge et les animaux, souriant avec insouciance quand des chiens se retrouvent assis derrière les pupitres d'une classe d'école. Lentement d'autres visages, ceux d'une jeunesse anguleuse et sinistrée s'installent. Les portraits de Tulsa semblent vivants, cerclés de contrastes parfaits, les yeux s'animent de rage et chaque détail, d'une crudité vibrante, semblent avoir été pensé, tant le moindre reflet paraît traduire une émotion. Larry Clark a réussi dans sa propre jeunesse a capturé en quelque sorte ses compagnons d'arme. Un film muet en noir et blanc met en mouvement les images. Comme le regard d'un junky, la caméra tangue sans cesse vers le sol, créant un rythme. Dans un lit, un garçon se lève, nous dévoilant le corps d'une fille enceinte dont il bloquait la vue jusque là. Les aiguilles pénètrent les peaux et les bouches remuent, grimacent, se déforment mollement, sans qu'aucun son ne vienne troubler la vision. Le film s'achève avec des arrestations en série, l'auteur filmant fixement les conséquences d'une existence trouble. Car Larry Clark est un moraliste de l'extrême. Non content d'avoir crocheté la porte de la sacro-sainte chambre de l'adolescent, montrant pour la première fois ce que d'aucuns ne voulaient voir, il nous met face aux répercussions les plus sordides du Drug, Sex and Rock'n roll. Ici une fille enceinte se pique, avec le contraste fulgurant de la grâce maternelle de ses formes confrontée à la rouille d'une vilaine aiguille. Là, le cercueil, toujours trop petit, de l'enfant mort-né. Pour comprendre le choc assourdissant de ces images, il n'y a qu'une chose à faire : les voir de ses propres yeux.

On nous raconte une histoire et celle-là finit bien. La seconde moitié de l'exposition est consacrée à un passé plus récent, où à l'occasion d'un film devenu culte dans le monde du skate, Larry Clark a rempilé, pour explorer avec son œil âgé une autre adolescence : celle des skaters, mexicains d'origine, de Los Angeles. L'un deux, Jonathan Velasquez, désormais bon ami de l'artiste est mis à l'honneur. Celui qui a appris à Larry Clark a skaté, à pas moins de 50 ans, se prête à tous les jeux. Exhibant son corps sec avec pudeur au côté de la belle Tiffany Limos ou ses cheveux multiformes, il nous traîne avec son gang à la conquête du pavé. Dans cette jeunesse-là, l'insouciance et la quête de ses propres limites prennent une autre forme, toute aussi sauvage, mais plus pure et sans conteste moins délétère. Un immense collage, assemblant brochures de journaux et souvenirs de toute sorte trône ainsi au centre d'une salle, réveillant chez nous curiosité, amusement et surprise.

Cette exposition aura fait couler beaucoup d'encre pour la censure dont elle a fait l'objet. Mais une once de sensibilité permettra à chacun de la vivre par lui-même, car ce qu'elle nous décrit est une époque charnière inhérente à l'homme, et le message qu'elle délivre est proprement universel.

Lucie Boutoute

Hullabalette.blogspot.com

Cy Twombly – CAMINO REAL

Gagosian Gallery

4 Rue de Ponthieu (Champs Elysées), Paris

J’entre dans la vaste pièce, blanche et silencieuse, échappant à la frénésie du quartier, des avenues et de la foule. Le silence est profond, presque sacré. Pourtant un bruit attire le regard.

De hautes et larges toiles encerclent les visiteurs, bruyantes de par leur contraste avec l’atmosphère immaculée du lieu, polyptiques, presque jumeaux, unis contre la froideur des murs.

Des couleurs fortes, chaudes, jaillissent par gestes successifs répétés, inlassablement. Les fonds de verts surnaturels trompent l’œil, crient leur force aux spectateurs. Les couleurs se détachent en couches successives. La gestuelle sur l’aplat parfait. Elles avancent vers nous, se décomposant comme pour mieux être vues, un simulacre d’éclaté industriel. L’abstraction plate semble exploser.

On s’approche, on cherche à comprendre cet effet d’optique, on recule. On contemple.

Camino Real. On s’interroge. Sommes-nous en présence de comédiens? Assistons-nous à une représentation? Étonnamment, la question demeure sans réponse, et les tableaux évoquent autant l’œuvre de Tennessee Williams qu’ils gardent leur secret. On cherche des signes des personnages de la pièce de théâtre

Casanova, Esmeralda, Don Quichotte? Pas de réponse.

On ne peut qu’assister aux jeux de couleurs, la légèreté du travail, pourtant si acharné, et se perdre un temps dans le ballet des touches de couleurs successives.

Théo FERRÉ

Du 20/10 au 23/12

Saison russe

Blue noses

Viacheslav Mizin et Alexander Shaburov

Musée des Beaux-arts de Nantes

5 novembre 20 10 - 2 janvier 2011

 La vidéo présentée par Viacheslav Mizin et Alexander Shaburov traite pour commencer de la mondialisation, et met en scène les deux artistes faisant des sketches, avec des montages, à la Méliès, en utilisant de vieux postes télé. Les gags sont lourds mais ont du fond. On est dans la dérision la plus complète, les petits films s'enchaînent sur des musiques classiques : Des scènes de sexe avec les artistes portant des masques de personnalités telles que G.W Bush, Ben Laden, Oncle Sam, Vladimir Poutine, Marylin, etc...

Des petites animations faussement naïves nous expliquent le bien et le mal, de temps en temps une femme ronde nue portant des baskets et une couronne orientale défile en planant sur un fond noir.
Les deux artistes russes nous présentent par de petites scènes comiques et enfantines les relations internationales, le commerce, le terrorisme, ils vont jusqu'à mimer les tours jumelles s’effondrant, à l'aide de petites fusées explosives qu'ils utilisent assez souvent d'ailleurs, notamment dans un sketch appelé « if I were Harry Potter » dans lequel toujours avec des trucages visibles et volontairement ridicules, un homme déguisé en Harry Potter, refait le monde, en faisant disparaître la prostitution, les drogués, les alcooliques, etc …

Une brève partie du film est consacrée à la culture russe, à la résistance, les artistes parodient les mouvements de résistance et baissent leurs pantalons.

La vidéo est un peu longue, mais néanmoins créative, et plus ou moins comique.

Elle fait assez justement une critique de la société actuelle, des relations internationales, visant particulièrement les Etats Unis et la guerre en Irak. On en retiendra malheureusement un certain aspect brouillon et confus, qui est probablement voulu mais peu intéressant esthétiquement parlant.

Nielsen LANDRIEVE 10 - 2 janvier 2011

Olga Boldyreff, Les Devenirs, 2010

© Ville de Nantes – Musée des Beaux Arts

OLGA BOLDYREFF – CHAPELLE de l'ORATOIRE

 Créature-nénuphar échouée. Baignant dans son écume-tissage elle se répand
mollement.
Les tentacules de maille se mêlent, les racines textiles se confondent; la
bête et son être s'entrelacent. Pieuvre de laine à reposer sur son lit de
roche. Bulbe-tricotin composite sur lequel doucement sont venues piquer
les aiguilles, sont venus s'accrocher les points, sans jamais venir
troubler son congé.
Douce paresse, douce mollesse. Lente broderie. Elle sait qu'elle a le temps.

Sous la peau sur le fil: le monstre est endormi.

Tout est silence mais dans le creux de la matière palpite la chair
vagabonde. Voici le murmure brûlant d'un monstre qui sommeille. C'est en
son sein que tout remue que tout se noue. Couvé sous une peau de tricot il
chuchote le mystère, et chacun est enclin à tendre l'oreille vers son
imperceptible langage.

Partout le fil, liant organique d'une matière flottante qui peut-être en
son cœur respire, dessinant aujourd'hui le squelette de ces muettes
chrysalides, esquissant demain les corps paresseux de nouvelles absences.
Les créatures sont enfouies. Ne demeurent que des enveloppes fantômes,
épidermes de laine pour qui ne saura soulever l'épaisseur du silence,
silence dans lequel la parole improbable sait à coup sûr se lover.

Partout ces pelotes, partout la veine de laine prête à s'en retourner.
Elle caresse les murs, caresse le sol. Sillonne l'espace et trace le
chemin versatile de celle qui se sait changeante. La palabre-laine,
fugueuse, tend à s'éclipser; la parleuse flotte indécise, roule et se
déroule, se réenroulera sûrement. Un jour. Car elle sait qu'elle a le
temps.

Maille, par maille.


Manon
David

Voyage vers l’inconnu

Poussée par A je me précipitais au Lieu Unique pour acheter un ticket. Je fonçais droit vers l’inconnu, le nom de l’artiste ne m’évoquait rien. La salle de spectacle finissait enfin de se remplir lorsque déjà l’obscurité achevait de tomber.

La femme seule est entrée sur scène, Elle a placé son corps au milieu de la flaque de lumière dessinée sur le sol par une poursuite. Elle est restée là, dans le silence. Silence amplifié sans doute par l’attente d’une foule, les yeux impitoyablement fixé sur sa solitude.

Soudain, étrange et née du plus profond de son être, sa voix envahit l’espace, dessinant sur les murs des paysages. Des encres coulent d’un plafond invisible, se rependant sur la foule des spectateurs masqués par le noir environnant. Je pense souvent à cette image qui fut pour moi l’occasion d’un voyage unique.

Chuchotements

Gémissements

Souffles

L’imagination est convoquée, par cette voix, qui transporte, fait rêver, émerveille. Habitée par l’écho de différentes cultures, Japonaise, Africaine. Le lieu lui-même semble se mouvoir, doué d’une volonté propre, transfiguré par les mouvements de cette voix.

Plus tard Elle sera rejointe par d’autres voix, mais là sienne reste unique.

Quant enfin délivrée de ces songes je me réveille, il ne reste que cette impression vague :

Cette voix est un voyage.

Et son nom c’est Meredith Monk.

Aline Da Rocha  

Untitled

André Kertesz

Jeu de Paume

Paris

Votre attention svp, nous commençons notre voyage en 1914, notre, VOTRE, guide sera le photographe André Kertesz. A travers ces yeux ou plutôt son appareil photo vous serez bercés dans un premier temps entre photos intimes et reportages journalistiques. Ainsi vous serez plongés dans la Hongrie de la fin des années 10-20 dans un ton noir et blanc voir sépia. Attention aux yeux, l'image peut être brute, violente choquante ... mais belle à la fois ! Une première partie certes dans les vestiges de l'Europe de l'Est mais aussi dans les bribes de ces propres souvenirs à travers différents portraits de ses parents ou frères ... les mouchoirs ne sont pas inclus.

Photos argentiques figées par le noir et blanc, "OUI monsieur !", mais pourtant elles sembleraient presque agressées, giflées par des couleurs, tellement ces moments captés sur papier nous parlent.

Attentions Mesdames et Messieurs veuillez attachez vos ceintures nous entrons dans une aire de turbulence

André Kertesz nous, vous propose une seconde étape à son voyage ... cette fois-ci presque plus "fantaisiste".

Bienvenue dans les "distorsions" ... un principe photographique se basant notamment sur des miroirs créant des formes étranges ... à votre droite vous verrez une femme au dos long et à petite tête à votre gauche une autre femme à l'épaule presque aspirée ... par qui ? par quoi ? L'imaginaire certainement !

Une question ? Oui monsieur ? Non vous ne rêvez pas ! Mais lui nous fait rêver !

La comparaison à un Lewis Carroll ou George Méliès de la photographie est peut-être excessive mais m'est personnelle !

En vous souhaitant un agréable voyage

Enlil Albanna

TRANS-FORME

TRANS-FORME

Moebius

Fondation Cartier (Paris)

12 octobre 2010 - 13 mars 2011

Il y a quelque chose de fou ici, quelque chose de follement contrôlé. Peut être est-ce l’idée d’un univers entièrement matérialisé par l’expérience déraisonnée du rêve ?

En proie à toutes les angoisses de l’abstraction ; il erre dans ses mondes artificiels de papier et d’équations, sujet aux métamorphoses. Et alors que le vide infini s’ouvre sur la transfiguration spirituelle de L’Incal, la simplicité du dessin apparaît. Tout y est réuni, en transe, pour formaliser la réalité rêvée du monde. Formaliser l’expérience du moi extériorisé. Nos quotients oniriques, décuplés par l’ultra-fluidité des cristaux se peuplent de particules virtuelles. C’est imminent. La face bis du Désert B entre en fluctuation. Le ciel se terrifie. Le temps se réifie.

Le chant du sorcier souffle un amour éventrant. Les Sept directions se matérialisent en torrents de couleurs et de traits foisonnant sur le blanc du papier. Les substances à rêver ne sont plus que des illusions perdues sur une terre aléatoire évaporée. Le désert en musée se travestit, tandis que ses formes s’exposent à notre inconscient. On se défausse de penser, se laissant guider par le rythme effréné des pages griffonnées. Il est des figures que l’on peut compter sur les doigts de celles qui nous sont contées. Il est une musique schizophrénique qui raisonne sur l’horizon. Il est une science démesurée dans l’épaisseur d’un cheveu d’encre glissé sur une page de BD.

Ely Bessis

Voyages et autres investigations

 Olga Boldyreff Chapelle de l’Oratoire Nantes 

Je me présente devant la porte discrète sensée mener à l’exposition. Pas un bruit, peu d’indications. Me serais-je trompé ? Porte ouverte : c’est bien là, les œuvres exposées en témoignent.

Mes premiers regards vont à deux œuvres placées au milieu de la chapelle : deux « pelotes »  de fils entrelacés, aux couleurs variées qui rompent avec la sobriété de la chapelle. J’ai bien envie d’aller observer cela de plus près mais en garçon sage et discipliné, je commence l’exposition à son début.

Certaines œuvres m’arrêtent, notamment ce fameux, Faux monochrome (Olga Boldyreff). Laissez-moi vous le décrire :  Un monochrome  à la manière de Klein dans une teinte de gris. Seulement celui-ci n’est pas peint mais rempli de bandes de laine de largeurs irrégulières. Je vous laisse imaginer le résultat. Outre l’aspect esthétique que j’affectionne, j’aime la façon dont l’artiste arrive à nous surprendre dans la forme à partir d’un thème déjà amplement traité.

Je continue le voyage auquel nous invite Olga. Celle-ci me devient de plus en plus familière. En effet, l’exposition est faîte de telle sorte que l’artiste nous présente en même temps que ses œuvres, les œuvres et artistes (Kasimir Malévitch, André Cadere, Alighiero e Boetti pour n’en citer que trois) qui l’ont influencée, inspirée tant dans les idées que sur la forme. J’apprécie cette mise en regard des œuvres et des influences de l’œuvre. Cette présentation enrichit les œuvres et notre compréhension de celles-ci.

Je poursuis. J’arrive enfin à ces deux « pelotes » qui m’ont marqué dès mon entrée. Les deux pièces s’intitulent Les devenirs. De plus près, ces deux pièces m’intriguent. Que représentent-elles ? Où vont ces fils sans commencement ni fin ? Je me perds à essayer de comprendre. Devrais-je me satisfaire de l’aspect esthétique, qui me plaît tant ? Je médite encore. Voilà l’interprétation que j’en fais finalement : l’ œuvre montre la complexité de la Vie. Non pas la vie d’un individu particulier mais la Vie en général qui ne commence et ne finit jamais vraiment.  Je suis satisfait de cette interprétation.

Le voyage touche à sa fin. Un dernier coup d’œil avant de rentrer. J’ouvre à nouveau la porte, dans l’autre sens cette fois. La fraîcheur de l’extérieur me glace. On était mieux à l’intérieur…

Sébastien Gal.

L1 Audencia

Exposition de Mohamed Camara intitulée : « Regards croisés : Nantes/Bamako »

Première impression : « Quoi ?! Une exposition de photographie ? C’est impossible…la qualité des photos est à mourir ! ». Mon cœur est de glace devant cette première série Les Maliens de Paris. Les photographies pixellisées me sont jetées à la figure, je ne vois que ça.

Je persévère, je marche, d’une photographie à une autre, je m’arrête et regarde : Certains matins.  

Certains matins pas comme les autres : un bel adolescent torse nu se tient debout, il nous tourne le dos ; la lumière du soleil traversant le tissu nonchalamment pendu à la fenêtre crée cette atmosphère chaude, paisible, d’un beau matin. Je continue mon excursion. Certains matins j’offre des fleurs à ma copine, voilà un titre léger, si ce n’est enfantin pour une photographie sérieuse ! Peu importe, continuons, même dans l’incompréhension : une femme assise à une table, dans la pénombre. Sa posture suffit. On comprend son bonheur, on imagine un sourire lorsqu’elle tend son bras et récupère le bouquet de fleurs.

Je quitte cette pièce où les photographies me semblent étrangement de basse qualité, bien que je me sente, au fur et à mesure, de plus en plus touchée. Nouvelle série : Chambres maliennes.

C’est toute une histoire qui s’offre à nos yeux ! Toujours cette qualité médiocre de photos, mais j’oublie. Je suis prise au jeu, voilà que je rentre, sans même le réaliser, dans l’intimité du photographe qui nous livre avec candeur, spontanéité, simplicité ses histoires d’adolescent. J’imite la façon dont on emballe les morts et ma famille me gronde : un adolescent drapé dans un tissu troué se tient devant nous, je souris. Certains matins je n’ai pas le courage de commencer la journée : la tête dans les mains, assis sur son lit…que c’est dur ! Un petit bout pour les moustiques : une main endormie dépasse d’une moustiquaire et l’on devine la suite. Ce n’est pas mon jumeau, c’est mon meilleur ami : deux adolescents, allongés, les yeux dans les yeux, même position, même affection l’un envers l’autre, tout se voit, tout se ressent, belle complicité. De la bêtise à la fatigue, de la fatigue à l’humour, de l’humour à l’amitié…c’est une vision simple, légère, attendrissante, vraiment touchante, que nous livre ici Mohamed Camara, 19 ans à cette époque. Ce jeune malien, nous fait oublier ces clichés où la pauvreté de certains pays d’Afrique, tel le Mali dont il est originaire, masque la gaieté d’une vie quotidienne épurée. Nous ne sommes pas au Mali, nous sommes dans l’univers d’un jeune malien.

            Le petit oiseau est devenu grand. Nouvelle pièce, nouvelle série, série 2010 : Regards croisés Nantes / Bamako. Surprise : finies les photographies mal tirées, place à la qualité, finis les titres enfantins, place à davantage de sérieux. Les photographies sont maintenant en couple : le mari est nantais, la femme malienne. Les photographies vont deux par deux, elles se font écho.

Une partie de foot à Nantes, peut-elle être vue de la même façon au Mali ? Et qu’en est-il alors de ce Malien adossé à un mur jaunâtre, la tête penchée, le regard fixe, le torse nu, un tissu bleu autour du cou : ne serait-il pas en train de poser, à sa façon ? Je déplace mon regard légèrement vers la gauche, la photographie à côté me fait rire : un Nantais timide à la chemise blanche, se tient devant une splendide affiche Dior ! Pointe d’autodérision ? Je fais peut-être une erreur, simple interprétation. Passons au couple suivant. J’ai hâte. Mais que vois-je ? La Place Royale, magnifique…royale même ! Une ombre, une simple ombre, une ombre sobre, très sobre, une ombre sans expression vient agrémenter la photo. Cette ombre, je la retrouve à Bamako, plus vivante, plus prenante : elle se projette sur cet énorme rocher qui surplombe la rivière. Cette ombre a cette fois, les bras levés, elle crie, elle est puissante. Ce couple me plaît. A deux pas de moi, un autre couple, allons voir. Un feu d’artifice aux multiples couleurs est figé là, devant moi. C’est le nouvel an à Nantes. Et au Mali ? Trois…deux…un…et non, pas de feu d’artifice. Un simple « Joyeuses Fêtes » inscrit en rouge, bleu, vert, sur une chèvre blanche. Tiens…mais que vois-je au loin ? Un couple marrant, légèrement ironique cette fois ! A droite, je peux parfaitement lire « Quick WiFi gratuit. Tout droit à 1 mn », c’est propre, c’est net. A gauche ou au Mali - comme on veut - je devine sur une pancarte en bois « WiFi station artisanale. 25 FCF A / heure ». Contrairement aux apparences, les couples de photographies ne sont pas là pour s’entretuer, ils se complètent, ils se renvoient la balle, en toute simplicité. Pas d’appel à la critique ici, pas de dénonciation sarcastique, rien de géopolitique, ni de manifestation contre la fracture numérique ! Il n’y a pas de ça ici, seule est perceptible la volonté d’un jeune Malien de nous montrer le double visage d’une vie, tantôt dirigée vers le Nord, tantôt vers le Sud, avec une douceur, une candeur troublante au début, touchante à la fin.

Allez…venez…et entrez dans l’Atelier au 1 rue de Chateaubriand pour voir l’exposition de Mohamed CAMARA « Regards croisés : Nantes/Bamako » et laissez vous lentement séduire par l’évolution d’un artiste qui, à 19 ans, rêvait de devenir footballeur professionnel et qui par hasard, s’est retrouvé un appareil photo entre les mains pour ne plus le quitter…

Infos : www.carnets-de-nantes.fr

Exposition de Mohamed Camara intitulée : «  Regards croisés : Nantes/Bamako »

L’Atelier au 1 rue de Chateaubriand 44000 Nantes.

Entrée Libre du 10/11 au 5/12/2010.

Du Mardi au samedi de 13h à 19h, le dimanche de 10h à 15h

Lise Rémon

 Audencia L1

Michel JOURNIAC

24 heures de la vie d’une femme ordinaire

Fantasmes /Réalités

1974

Œuvre exposée au Centre Pompidou de Paris, dans l’exposition Elles@Centre Pompidou

Entrée gratuite pour les moins de 26 ans

27 mai 2009 - 21 février 2011

11h00 - 21h00

Tic Tac

L’horloge tourne, les heures défilent.

La ménagère a 24heures pour montrer qu’elle est la femme au foyer parfaite

Arrêt sur images. Panorama  noir et blanc

Etrange banalité ?

ELLE,

Et son habit de ménagère

Souriante, aimante, intentionnée

Prise dans une machine infernale

Celle des tâches quotidiennes

« Nettoyer, balayer, astiquer »

Oubliée, enfermée dans ce tourbillon de tâches

A la fois triste et drôle 

Cette « desperate housewife »

Etrange malaise ?

LUI,

Les traits durs, effacés

Ignorant et désintéressé

Propriétaire des clefs de la cage de verre

Où  s’affaire

Sa chère et tendre

Sois belle, serviable

Aux petits soins de ton mari

Mais surtout tais toi

Tic Tac. Arrêt sur image. Atmosphère dérangeante

Ce corps,

A la fois matériau et moyen de communication

Un troisième sexe

Mis en scène et instrumentalisé

Repoussant, désirant, … inquiétant

Nous tirant à la fois les larmes et les rires

Ce corps travesti dérangeant. Etrange

Le troisième sexe

Ni masculin, ni féminin

Les 24 heures de la vie d’une femme ordinaire sont là représentées par douze photographies en noir et blanc accrochées  au mur de l’exposition fait par et pour les femmes artistes. Sauf que ces photographies se situent dans une section originale nommée « Transformers », dont les œuvres rejettent les catégories sexuelles traditionnelles.

Tic Tac.

Face à ce mur blanc l’horloge se met en route. Telle une marionnette la ménagère rentre parfaitement dans son rôle. Elle enchaîne assidûment les tâches. Toujours souriante, aimante.

Pathétique. 

Cependant une question persiste … Est-ce la réalité ou un fantasme ?

Boudot Mélina

L1 Audencia

Kim En Joong Passeur de lumière

Du 26/10/10 au 05/03/11

tarif réduit 1€, gratuité moins de 18 ans et demandeur d’emploi

Passage Sainte Croix, 9 rue de la Bâclerie, 44 000 NANTES

http://www.pedagogie.ac-nantes.fr/

Le Passage Sainte-Croix expose depuis peu certaines œuvres de l’artiste sud-coréen Kim En Jong. L’architecture du lieu se prête particulièrement bien à l’œuvre de cet artiste qui, comme il le dit lui-même, travaille la matière pour « aller des ténèbres à la lumière ». En effet le Passage, inondé de lumière du fait de son toit de verre, recèle cependant quelques zones d’ombre soulignées par les vieilles poutres qui agrémentent son architecture. Le spectateur évolue alors dans un environnement, entre ténèbres et lumière, qui favorise sa sensibilité et le prédispose à appréhender l’œuvre de ce peintre abstrait.

                Influencé très jeune par la culture artistique occidentale, son travail le distingue des artistes asiatiques traditionnels. Il est possible de voir dans cette exposition divers types d’œuvre : sur toile, sur papier, et même sur verre. Cependant, quelque soit le support utilisé, chacune de ces œuvres reflète le même cheminement de pensée. L’artiste ne cherche pas à représenter, il ne donne d’ailleurs pas de titre à ces œuvres, afin de ne pas diriger le spectateur vers une interprétation plutôt qu’une autre. A ce dernier de regarder la peinture « comme un nuage », pour reprendre les mots de l’artiste. 

                En effet, il ne s’agit pas face à ces œuvres d’y rechercher quelque chose. Le spectateur n’a qu’à se laisser guider par ses sensations. Appuyé par l’agencement du Passage et ses jeux de lumière, toute l’exposition prend une dimension particulière.

                L’amateur d’art, confirmé ou non, sera charmé par le travail de l’artiste et sa mise en scène dans le Passage Sainte Croix. Quant au spectateur qui sera entré dans le Passage par hasard pour échapper au froid glacial ou rompre la monotonie de sa journée, il aura bien choisi son exposition. On ne reste pas insensible à la lumière qui se dégage de l’œuvre de Kim En Joong, et l’on en garde un souvenir longtemps après avoir quitté le Passage.

 Pourprix Madeline

L 1Audencia

Edwin Apps « les sans voix » et « il fait jour » Galerie d’art contemporain Alain Rouzé, Nantes

L’entrée dans l’univers des sans voix d’Edwin Apps m’arrache un sourire tant ces personnages aux couleurs vives et visages lisses m’étonnent, la marée des visages identiques, bouches bée, me submerge, m’imposant le silence voire l’adoption d’une expression similaire. Ces visages privés de parole dénoncent l’impuissance du peuple d’aujourd’hui à s’exprimer, des hommes aphones, incapables de faire entendre leurs voix et surtout leurs critiques, amenés alors à tolérer une politique révoltante, celle de Bush, qu’Edwin Apps critique ouvertement.

Edwin Apps a fait l’expérience de la vie retirée du monde actuel, de sa globalité, en décidant de renoncer aux moyens de communication qui nous sont aujourd’hui indispensables. Exilé pendant un demi-siècle, il ressort de l’ombre et découvre un monde qu’il ne comprend pas, un monde absurde. Il exprime alors l’agressivité de la lumière rentrant dans une pièce montrant que le jour est levé, signalant le départ de la journée, des activités familières, peut-être trop… dès lors le monde extérieur est l’effrayant reflet de l’hostilité primaire de la nature et l’envie de rentrer, de s’enfermer pour n’avoir que pour seule compagnie les divagations de mes pensées me prend, irrésistible et troublante révélation de l’angoisse refoulée de sortir au grand jour, d’affronter la vie. Je me sentais alors terriblement proche de l’homme qui devant moi redevenait l’enfant à la fois craintif et curieux mais qui, pour grandir, devait quitter son cocon et la chaleureuse douceur qui y régnait. Le message politique de l’artiste, indispensable à mes yeux afin d’apprécier ses œuvres s’estompe dès lors que chacun trouve la résonnance personnelle qui lui permet de ressentir l’œuvre…

C’est la vérité troublante, crue que nous offre l’étonnant Edwin Apps, incisif, plein d’humour et avec cette part d’enfance rafraichissante dans un monde trop grave et trop sérieux, où le rêve et les convictions disparaissent trop souvent dès l’entrée dans la « cour des grands »…

Lucile Sanquer

L1 Audencia

Jean-Michel Basquiat, Musée d’art moderne, Paris du 15/10/2010 au 31/01/2011

Un appel, un cri. L’envie viscérale de connaître, de comprendre la race humaine et soi avant tout. Et cette réponse qui tombe comme la lame d’une guillotine : on ne perce pas le secret de la conscience humaine. Les cours de Gray expliquent et mettent le corps à nu. Or c’est à travers le regard naïf d’un enfant perdu dans un monde décomposé que la vérité transparaît. Sa vérité. Mais aussi ses rêves, ses passions colorées et la parole poétique de cet être destiné à une vie fulgurante, de ce jeune homme qui aspirait à exister tout simplement. Si l’on est déconcerté à l’entrée, on en ressort grandi, gonflé d’un élan vital qu’a réussi à nous insuffler le prince de New York qui apposera sa couronne dans son œuvre toute au long de sa vie.

Organisée chronologiquement, on suit le parcours du peintre depuis sa première exposition à la galerie Annina Nosei à New York en 1981 jusqu’à celle qui fut réalisée à la galerie Larry Gagosian de Los Angeles en 1986. L’évolution du style est sensible ; on note en effet un glissement d’une peinture essentiellement composée de figures divines et humaines qui exhibent leur anatomie et de jets de couleurs vives à une peinture relativement plus sobre et plus bouleversante dans la mesure où les mots et les chiffres instaurent un dialogue avec le dessin. Mais la transition reste floue tandis que les influences extérieures viennent enrichir la vision déjà large et originale de cet artiste marginal et charismatique.  Son regard curieux se pose sur toute sorte d’objets et d’œuvres qu’il invite dans ses tableaux et qui deviennent dès lors les sujets de notre curiosité. Une exposition radieuse qui force ceux qui se laissent happer par ses compositions à retrouver leurs yeux d’enfants et leurs premières angoisses face aux souffrances humaines et à l’inanité de l’existence.

Laure Deroche

L1 Audencia

Air(e) de retard Exposition d’Alain Bernardini

L’artiste-photographe, vitriote, ancien résident du CENTQUATRE, tente de proposer depuis cinq ans une autre représentation du monde du travail. Cette fois-ci, il est exposé à la base d’Appui d’Entre Deux à Nantes, qui assure la promotion et la diffusion  de l’art public contemporain.

Devant la base d’Appui de l’Entre Deux, on peut voir un petit panneau routier avec comme indication « Air(e)  de retard », puis on entre par une porte vitrée, on suit un petit couloir, avant d’atterrir sur une estrade en bois. Ça a l’air chaleureux comme endroit. La preuve, un chat dort sur l’estrade. Onze photos nous font face, certaines ont comme support des panneaux métalliques comme ceux placés au bord des routes.

Camionnette. Air(e) de retard. Deux femmes. Attendre. Homme. Cravate. Voiture. Construction.

Premier sentiment : intriguée.

Aucun cartel. Pas de titre. Pas d’indice.

J’avais décidé de ne pas me renseigner sur l’artiste et sur ses travaux précédents avant d’aller voir l’exposition.

Questionnement. Déambulation. Etonnement. Tâtonnement. Questionnement. Flânerie.

J’élabore des interprétations farfelues pour chacune des photos.

Je me tourne vers des bulletins de retard, soussignés Alain Bernardini, adressés à des salariés. Pour voir ce que ça fait. Sans raison. Pour visionner des films. Pour discuter.

Je souris. C’est drôle ! Je retourne vers les photos. Je marche, je m’approche, je m’arrête, puis je crois comprendre.

Air(e) de retard. Salariés. Travail. Route. Voiture. Pause. Se garer. Temps. Hypermobilité. Résistance. Pression. Ponctualité. Paysage. Mer. Sable.

J’adhère.

Sur le point de m’en aller, dernière photo non placée sur le même mur me fait face. J’ai failli partir sans la voir, illumination ! Enfin…je crois.

Où voir cette exposition ?

A la base d’Appui d’Entre Deux

5 avenue de l’Hôtel Dieu à Nantes

Quand ?

Les mardis, jeudis, vendredis, samedis de 14h30 à 19h.

Jusqu’au 18 décembre 2010.

Entrée Libre

http://www.entre-deux.org/

La route de la soie, Le tri postal, Lille

De retour dans ma ville natale ce weekend de décembre, comment ne pas me sentir inexorablement poussée par son dynamisme culturel? Me frayant un chemin à travers la neige, je décidais de faire un tour dans ma galerie d'art contemporain favorite : le Tri Postal. Depuis le 20 octobre et jusqu'au 16 janvier s'y tient une exposition... exceptionnelle : «La route de la soie» dans le cadre de la manifestation culturelle Lille 3000. Celle-ci accueille une trentaine d'artistes venus des pays composant cette route : Inde, Iran, Pakistan, Chine... Les œuvres (soixante en tout) sont issues de la célèbre collection de la Saatchi Gallery, une des plus grandes collections d'art contemporain d'Europe située à Londres.

En entrant, une première impression, celle de voir se dessiner sous mes yeux une nouvelle route de la soie, celle d'aujourd'hui, une route du commerce international, de ses grands nœuds et de ses conséquences. Ici, une vache, animal sacré en Inde, se retrouve coincée dans un tuyau de canalisation (sculpture de Huma Mulji intitulée her Suburban Dream). Elle nous emmène dans son pays, on y voit la métaphore de tous ces paysans indiens qui eux aussi à leur arrivée dans les grandes villes mondiales naissantes de l'Inde se sont retrouvés coincés dans des bidonvilles sans issue et qui s’étendent à l'infini, démunis et sans emplois.

Là, des corps d'ouvriers chinois suspendus au plafond, progéniture littéralement «moulée» du gouvernement chinois (installation du chinois Zhang Dali, Chinese offspring).

Ces œuvres nous touchent parce qu'elles nous parlent, parce qu'elles dénoncent, et toute l'exposition est une invitation à la découverte de chacun de ces pays moteurs du monde et de leurs problématiques et injustices. Bref, un regard passionné et passionnant d'artistes sur leurs pays, étapes légendaires d'une route commerciale qui décidément n'a pas finit de faire parler d'elle.

Elise Wiart.

 Audencia L1

Pour en savoir plus : http://www.lille3000.eu/laroutedelasoie/fr/

Regards croisés : Nantes - Bamako

Mohamed Camara

L’Atelier (1 rue de Châteaubriand, Nantes)

Du mercredi 10 novembre au dimanche 5 décembre 2010
Du mardi au samedi de 13h à 19h et le dimanche de 10h à 15h

Entrée libre

http://www.plastgrandouest.net/index.php?cat=1&page=1932

 

J’ai d’abord été surprise et déçue en parcourant les premières salles de cette exposition. Les photographies étaient intéressantes mais la qualité de tirage était mauvaise. En effet, dans ces salles (photographies de 2002 à 2006), les tirages étaient inappropriés et les pixels étaient très visibles. De plus j’ai trouvé les photographies assez inégales. Certaines paraissaient vraiment recherchées : des jeux de lumière, d’ombre et de tissus ; d’autres au contraire semblaient très amateurs. Ces photographies représentaient la vie de tous les jours d’un jeune malien : sa maison, ses proches, ses passions (le football notamment), etc. Elles étaient prises d’un point de vue assez intime. Nous entrons dans la vie du photographe et de ses proches mais gardons en même temps une certaine distance respectueuse. Par exemple, des mains sur un tissu coloré, une femme dans l’embrasure d’une porte, entre l’obscurité de l’intérieur et la lumière aveuglante de l’extérieur, deux amis dormant l’un en face de l’autre, un homme priant, etc.

En arrivant dans la dernière pièce, qui correspondait aux photographies les plus récentes de Mohamed Camara, j’ai été frappée par l’évolution de sa photographie. Tout d’abord, la qualité des photographies était très bonne ; de plus, on sentait qu’il ne s’agissait plus d’un jeune homme utilisant un appareil photo pour la première fois. En 2002, Mohamed Camara s’était vu prêter un appareil photo pour quelques jours alors qu’il était adolescent à Bamako. Il ne connaissait alors rien à la photographie mais a été tenté par le défi qui lui était lancé. Dans cette salle étaient exposés douze diptyques sur le thème regards croisés entre Nantes et Bamako.

Sans ces explications, il me semble difficile de comprendre cette exposition et j’aurais, je pense, garder un souvenir plutôt négatif de cette exposition. La démarche me paraît en effet quasiment plus intéressante que certaines des photographies. En connaissant le contexte, il apparaît clairement que Mohamed Camara a (et avait même sans connaissance de la photographie) ce « quelque chose » : un point de vue à lui.

Clémentine Pasquet

L1 Audencia

Depuis 1950, le déroulement de la peinture, JUDIT REIGL

L'extranéité du monde, le vide, le corps comme réponse.

« Tout mon corps participe au travail, 'à la mesure des bras grands ouverts'. C'est avec des gestes que j'écris dans l'espace donné, des pulsations, des pulsions. » nous dit Judit Reigl.

Chez Judit Reigl, ce qui happe peut-être le plus, c'est cette écriture corporelle, viscérale qui transcende son œuvre. Toujours entre surgissement et ensevelissement, apparition et disparition, construction et éclatement, sa peinture devient matière, son écriture se fait physique.

Juste une envie, une de ces « pulsions de corps » qui vous prend parfois : sauter,  bondir, crier...

Ce fourmillement insupportable qui ne la quitte pas.

Hurler à la face du monde « je suis une bacchante ! ».

Ça lui remonte dans l'œsophage et la prend à la gorge. Voilà que ça la reprend, des jambes qui bougent seules, des borborygmes qu'elle déverse à chaque refrain d'une chanson qu'elle sait à peine  balbutier.          

Elle voudrait s'extirper de cet univers étriqué où le corps limite l'esprit. Ce corps-entrave deviendrait alors son piège à mot, son attrape-rêve pour inventer un nouveau langage, plus total, plus absolu.

C'est ainsi que Judit Reigl nous parle dans son œuvre - grâce à cette écriture si personnelle – tantôt avec une énergie presque explosive, tantôt avec un peu de cette étrange douceur que l'on retrouve dans des œuvres plus apaisées.

Judit Reigl nous propose une véritable chute libre, suivie d'un flottement dans un espace éthéré d'où nous parviennent des bribes de cette écriture parallèle, toute gestuelle, dont elle est l'auteur.

Claire Mizzon.

L1 Audencia

Yong-Man Kwon, Galerie des Glaces, 8 Quai Versailles Nantes

Né en 1972, le coréen Yong-Man Kwon a un passé bien intéressant. Après avoir obtenu son diplôme d’enseignement artistique, il enseigna le dessin. Il quitta la Corée du Sud en 1996 pour faire carrière à New-York, mais ce fut vain. Il dut quitter les Etats-Unis, car il n’avait pas de papiers. Il s’engage donc dans la Légion étrangère, sous l’aile du général Faucheski. Plus qu’un militaire, Young-Man est un véritable artiste. C’est après avoir remporté un concours de peinture organisé par l’armée, que le légionnaire décide de s’installer à Paris. Il a été nommé peintre officiel de l’Armée en 2003, et peintre officiel de l’armée de l’Air en 2005. Depuis, il a acquis une véritable renommée, et organise de nombreuses expositions.

Travaillant à la fois aussi bien en atelier qu’en extérieur, le peintre s’adonne à représenter des paysages (New-York, par exemple) mais comme vous pouvez aussi le deviner, bon nombre de ses toiles ont pour thème l’Armée où la navigation. Ses travaux, Yong-Man les enchâsse lui-même, et l’une de ses teintes fétiches est le brun. Mais la caractéristique majeure du peintre est tout autre, c’est sa rapidité et sa spontanéité. Il applique la peinture sur sa toile directement, sans esquisse ni repères. Tout est dans l’exécution, dans l’instinct. C’est ce qui lui permet de produire énormément, et donc de vendre beaucoup de toiles.

A seulement 38 ans, son style est simple, mais efficace : des couleurs vives, des coulures et des taches de peintures de différentes couleurs permettent à ses toiles de briller parmi d’autres. Sa maîtrise de la peinture est remarquable: ses coulures sont très propres et se noient dans le décor, les taches sont à la fois discrètes et clinquantes, en plus d’ajouter une luminosité particulière à la peinture. Ses toiles ne laissent aucun doute : on peut remarquer qu’il a énormément travaillé l’aquarelle. Parfois attaché aux détails, parfois ne dessinant même pas les traits du visage, Y-M Kwon aime peindre la ville en mouvement : le résultat est magnifique. Ce qui est d’autre part intéressant, c’est son coup de pinceau : à la fois sec et rapide, ses traits sont d’une netteté déconcertante.

J’aimerais vous parler d’un tableau en particulier : « Visite Versailles ».

Contrairement à d’autres peintres, l’artiste ajoute le blanc après, et ne laisse pas d’espaces vides en amont. C’est ce que l’on peut remarquer sur celui-ci.

Le tableau représente bien entendu, un plan de la Grande galerie. Ce qui a attiré d’abord mon œil, ce sont ces lustres à la couleur lilas… J’ai trouvé qu’il leur manquait quelque chose... Mais c’est surtout cette fameuse lumière blanche qui m’a intrigué. On peut voir, au premier plan, une fille habillée d’une robe blanche. Sa posture nous laisse penser qu’elle se dirige vers la sortie… ou vers la tache blanche. Chacun peut laisser libre cours à son imagination, mais que pourrait bien représenter cette fameuse lumière blanche, si ce n’est…la sortie ?

Julien Muchembled

L1 Audencia

Voyages et autres investigations (4)

Olga Boldyreff, Natalia Gontcharova, Michaël Larionov, Eva Hesse, Sol LeWitt, Alighiero e Boetti, Kasimir Malévitch et André Cadere.

Chapelle de l’Oratoire de Nantes

22 octobre 2010 è 2 janvier 2011

Entrée libre

 

« Voyages » : Olga Boldyreff m’y invite dès mon entrée dans la chapelle, en créant un univers où deux cultures, russe et française, cohabitent. Bercée par la voix de l’artiste qui, dans les deux langues, me conte son métissage, j’erre parmi les œuvres qui mêlent à leur tour art et artisanat.  

Inspirée par l’art populaire russe et par les mouvements contemporains occidentaux, Olga Boldyreff utilise ainsi la broderie ou le tricot pour proposer un renouvellement du dessin : le matériel adopté semble prendre le pas sur la forme réalisée.

Mise en interaction avec les travaux de créateurs internationaux, cette exposition me permet de partager des points de vue multiculturels et variés.

 « … Et autres investigations » : chaque pièce m’amène aussi à réfléchir, tout en voyageant.

Une grande robe bleu nuit, évoquant l’absence, m’appelle vers une quête intérieure, prenant tout son sens dans ce lieu d’exposition spirituel.

Les différents objets du quotidien, ici représentés sous leur forme la plus simple, me questionnent quant à eux sur le regard que je leur porte : avec le temps, il semble qu’on ne se rappelle que de leur contour. Mais cette matérialité peut-elle être dépassée ?

Plus loin, des déclinaisons de vert comportant le nom de rues belges sur un fond monochrome soulèvent le rapport ambigu entre le dessin et l’écriture : dois-je voir ici des copies revisitées de plaques de rues ou des peintures ?

Sans oublier le fil, objet symbolique de l’œuvre de l’artiste, qui m’interroge également.

Le fil, matière molle et mouvante, symbole de constructions toujours changeantes et aux possibilités multiples.

Le fil, matière entrelacée, rappel du « lien » qui associe les travaux de l’artiste à ceux des autres grandes figures qui ont retenu son attention.

Le fil, un enroulement et un déroulement permanent…une mobilité perpétuelle, un jeu sans fin auquel je participe et qui me rappelle sans cesse l’univers voyageur et interrogateur d’Olga Boldyreff.

Launay Claire

L1 Audencia